Composé de Dave Harrington (de Darkside, le projet partagé avec Nicolas Jaar) et Benjamin Jay (NDF / Benoit & Sergio), Lights Fluorescent est une expérience dans l'espace, entre chanson et texture, idée et référence, passé et présent. Dave Harrington a publié avec son projet Darkside, pour lequel il a collaboré avec Nicolas Jaar, deux albums sur Other People, ainsi que des EP sur Clown and Sunset et Matador. Benjamin Jay, quant à lui, a publié plusieurs EP avec son projet Benoit & Sergio. Depuis qu'ils sont devenus les artistes électroniques de l'année iTunes avec Breakthrough (2011), Benoit et Sergio ont reçu de nombreux prix et distinctions dans la presse. Le duo développe une sensibilité atmosphérique, une pop oblique qui pointe vers les tendances expérimentales de la musique improvisée et ambient.
Dans un cas curieux de hasard, alors qu'Aphex Twin refait surface pour la première fois depuis dix ans avec Syro, deux des pièces les plus cruciales du casse-tête de Drexciya réapparaissent également dans les rayons des magasins. Le premier album complet de Drexciya, Neptune's Lair, et le premier album de Transllusion, The Opening of the Cerebral Gate, ont finalement été réédités, ce dernier contenant des titres inédits en bonus. En apparence, il semble y avoir peu de liens entre ces contemporains du début des années 90, à savoir le producteur britannique qui a développé un culte de la personnalité et deux des plus obscurs fabricants de musique électronique à avoir jamais élu domicile à Detroit. Mais les deux actes ont une étiquette commune et il est presque impossible d'imaginer la musique idiosyncratique de Richard D. James sans l'exemple insulaire mais profond de Drexciya.
Dans un cas curieux de hasard, alors qu'Aphex Twin refait surface pour la première fois depuis dix ans avec Syro, deux des pièces les plus cruciales du casse-tête de Drexciya réapparaissent également dans les rayons des magasins. Le premier album complet de Drexciya, Neptune's Lair, et le premier album de Transllusion, The Opening of the Cerebral Gate, ont finalement été réédités, ce dernier contenant des titres inédits en bonus. En apparence, il semble y avoir peu de liens entre ces contemporains du début des années 90, à savoir le producteur britannique qui a développé un culte de la personnalité et deux des plus obscurs fabricants de musique électronique à avoir jamais élu domicile à Detroit. Mais les deux actes ont une étiquette commune et il est presque impossible d'imaginer la musique idiosyncratique de Richard D. James sans l'exemple insulaire mais profond de Drexciya.
Ils disent : Des nappes pour documentaires sur les thèmes actuels de la vie moderne. Nous disons : bombe de library music, disco cosmique époustouflante, lourde de percussions, très teintée de sons Africains.'' Un disque absolument exceptionnel de 1983 et certainement l'un des plus difficiles à trouver sur le label allemand Coloursound. The Now Generation (Percussive Underscores) est sans aucun doute l'un des meilleurs enregistrements de library music. Le disque arrive au galop avec une paire de bombes à synthèse rapide - Eurodisco - la piste titre et Panama - avant de ralentir à pas lent sur Inorganic Matter. African Nightclub semble être une lecture, et est un des favoris de Prins Thomas. En effet, il avait été utilisé avec grand succès sur son mix Cosmo Galactic Prism en 2007. C'est un chef-d'oeuvre de library en termes non équivoques, plein de synthé funk, de beats afro, d'exotica, de folie et de dynamite sur la piste de danse et de grandeur.
Fable est un petit label indépendant créé à Austin, au Texas, au début des années 1970 par un jeune tromboniste du nom de Michael Mordecai. à l'automne 1975, il présente pour la première fois un trio d'albums sur Fable des groupes : 47 Times, Steam Heat et Starcrost. Avec seulement 1000 exemplaires pressés, chacun portant une emphase différente sur la soul, le funk ou le jazz, tous les trois sont devenus très recherchés par les collectionneurs et les DJ du monde entier. Lors de la rencontre entre Michael de Fable et Jazzman, il explique les hauts et les bas de la gestion de Fable Records, avec autant de succès que de tragédies. Il raconte l'histoire des 3 groupes, des anecdotes passionnantes sur les années sauvages des 70's au moment de la création de leurs disques... Il a également amené des coupures de presse, des affiches, des dépliants publiés dans chaque album. Une véritable saveur des Etats-Unis pendant les 70's.
Les polonais de EABS ont une approche novatrice du jazz, le distillant à travers le prisme du hip-hop tout en le mélangeant à des éléments de soul, de funk et de musique électronique. Après leur premier album sorti en 2017, Repetitions (Lettres to Krzysztof Komeda), qui se concentre sur les oeuvres moins connues du compositeur polonais légendaire, EABS, septet basé à Wroclaw, a décidé de développer davantage de morceaux originaux. Ils ont pris 2 ans pour préparer les sept morceaux de ce nouvel album et ont été rejoints par le chef de file de 22A Tenderlonious, qui prête son exceptionnel saxophone soprano et sa flûte. L'incroyable accueil de la communauté jazz a attiré une clientèle fidèle en dehors de leur Pologne natale. Cette-fois, les musiciens se sont tournés vers la mythologie slave et polonaise, tout en s'interrogeant sur l'état spirituel contemporain des polonais. L'énigmatique mélancolie slave en reste l'inspiration principale.
Les polonais de EABS ont une approche novatrice du jazz, le distillant à travers le prisme du hip-hop tout en le mélangeant à des éléments de soul, de funk et de musique électronique. Après leur premier album sorti en 2017, Repetitions (Lettres to Krzysztof Komeda), qui se concentre sur les oeuvres moins connues du compositeur polonais légendaire, EABS, septet basé à Wroclaw, a décidé de développer davantage de morceaux originaux. Ils ont pris 2 ans pour préparer les sept morceaux de ce nouvel album et ont été rejoints par le chef de file de 22A Tenderlonious, qui prête son exceptionnel saxophone soprano et sa flûte. L'incroyable accueil de la communauté jazz a attiré une clientèle fidèle en dehors de leur Pologne natale. Cette-fois, les musiciens se sont tournés vers la mythologie slave et polonaise, tout en s'interrogeant sur l'état spirituel contemporain des polonais. L'énigmatique mélancolie slave en reste l'inspiration principale.
Deuxième album de Wilsen, trio folk basé à Brooklyn et composé de Tamsin Wilson (guitare/voix), Johnny Simon Jr. (guitare) et Drew Arndt (basse), après leur premier disque I Go Missing In My Sleep paru sur le label canadien Secret City en 2017. Avec le réalisateur Andrew Sarlo (Bon Iver, Big Thief, SASAMI) à la console, le nouvel album de Wilsen, Ruiner dissout à la fois la réverbération lourde et les moments éthérés se trouvant sur le premier enregistrement pour plutôt amener à l'avant-scène les éléments essentiels du groupe - la batterie, la basse, la guitare, la voix. Durant les titres ouvrant l'album, on entend un enchevêtrement de guitares et Wilson qui fredonne doucement, nous faisant replonger brièvement dans leur monde onirique, puis brusquement, un rythme rock propulsif apparaît, annonçant un groupe revigoré.
Deuxième album de Wilsen, trio folk basé à Brooklyn et composé de Tamsin Wilson (guitare/voix), Johnny Simon Jr. (guitare) et Drew Arndt (basse), après leur premier disque I Go Missing In My Sleep paru sur le label canadien Secret City en 2017. Avec le réalisateur Andrew Sarlo (Bon Iver, Big Thief, SASAMI) à la console, le nouvel album de Wilsen, Ruiner dissout à la fois la réverbération lourde et les moments éthérés se trouvant sur le premier enregistrement pour plutôt amener à l'avant-scène les éléments essentiels du groupe - la batterie, la basse, la guitare, la voix. Durant les titres ouvrant l'album, on entend un enchevêtrement de guitares et Wilson qui fredonne doucement, nous faisant replonger brièvement dans leur monde onirique, puis brusquement, un rythme rock propulsif apparaît, annonçant un groupe revigoré.
Total Refreshment Center est fier de présenter un tout nouveau mini-album de Neue Grafik Ensemble. Le producteur, instrumentiste et DJ français, Neue Grafik, s'est forgé une solide réputation au cours des dernières années en publiant des disques sur des labels tels que Rhythm Section, 22a, CoOp Presents et Wolf Music. Son son est un hybride de jazz, de house et de hip-hop, avec des saveurs géographiques uniques d'ethnie africaine, des racines parisiennes et un amour pour Londres qui ressemble à un beat & un grim cassé. Conçu comme un voyage de Deptford à Dalston, en passant par Peckham, pendant une période de transition, la musique est à la croisée de toutes ses influences, prenant le temps de partager et d'expérimenter avec un groupe - plus que cela, un ensemble. L'idée est d'incorporer des musiciens dotés de leur propre sensibilité et de collaborer en tant que reflet de notre société; irréel et rebelle, mais avec des moments magiques et plein d'espoir.
La première partie de la série Selbstportrait (Autoportrait) de Hans-Joachim Roedelius a été initialement publiée sous le titre Sanfte Musik sur Sky Records en 1979. Une quarantaine d'années plus tard, un nouvel album arrive. Un des initiateurs du Berlin Zodiak Free Arts Lab en 1967, Roedelius a cofondé Kluster / Cluster et Harmonia, libérant une nouvelle forme de musique libre qui, avec le recul, peut être considérée comme une étape importante dans la contexte historique de Kosmische Musik et du Krautrock. En 2014, le fondateur du label Bureau B, Gunther Buskies, a approché Roedelius pour lui suggérer d'enregistrer un nouvel épisode de la série Self-Portrait, en utilisant les mêmes instruments qui dominaient ses productions à la fin des années 1970 : un orgue Farfisa, une boîte à rythmes, une bande-delay et un Rhodes. En collaboration avec Onnen et Wolf Bock, l'album Wahre Liebe a été créé.
La première partie de la série Selbstportrait (Autoportrait) de Hans-Joachim Roedelius a été initialement publiée sous le titre Sanfte Musik sur Sky Records en 1979. Une quarantaine d'années plus tard, un nouvel album arrive. Un des initiateurs du Berlin Zodiak Free Arts Lab en 1967, Roedelius a cofondé Kluster / Cluster et Harmonia, libérant une nouvelle forme de musique libre qui, avec le recul, peut être considérée comme une étape importante dans la contexte historique de Kosmische Musik et du Krautrock. En 2014, le fondateur du label Bureau B, Gunther Buskies, a approché Roedelius pour lui suggérer d'enregistrer un nouvel épisode de la série Self-Portrait, en utilisant les mêmes instruments qui dominaient ses productions à la fin des années 1970 : un orgue Farfisa, une boîte à rythmes, une bande-delay et un Rhodes. En collaboration avec Onnen et Wolf Bock, l'album Wahre Liebe a été créé.
Eumir Deodato, l'un des artistes les plus prolifiques du Brésil, a participé à la création de plus de 450 albums, enregistré 16 disques de platine, remporté un Grammy (et reçu deux autres nominations) et vendu plus de 250 millions de disques à lui tout seul aux états-Unis. Au cours de sa carrière, il a écrit pour, arrangé de la musique et joué avec des artistes tels que Frank Sinatra, Tom Jobim, Kool & The Gang, Earth, Wind & Fire, Marcos Valle, Aretha Franklin et Bjork, entre autres. Grand favori des amateurs de groove et des amateurs de jazz latin, Deodato associe la sensibilité musicale du jazz brésilien post-bossa nova au soul & funk nord-américain et les influences latines explosives du New York des années 70. Os Catedraticos 73 fait certainement plus de bruit que certaines des éditions précédentes de Deodato et le titre inaugural Arranha Ceu (Skyscrapers) est un classique dancefloor euphorique qui éclaire les clubs depuis des années.
9 mois après la sortie de Six Lenins, les PROPER ORNAMENTS sont de retour avec Mission Bells, un disque sombre mais édifiant qui a commencé sa vie alors qu'ils étaient en tournée. James Hoare, Bobby Syme et Max Oscarnold, les fondateurs du groupe, ont recruté Nathalie Bruno comme bassiste pour la tournée, puis le quatuor a commencé à enregistrer au home studio de Hoare à Finsbury Park, en utilisant les mêmes 16 piste Studer tape machine que sur leur précédent album, mais cette fois, ils ont incorporé un séquenceur moog et d'autres instruments électroniques. Mission Bells chantent les échos d'albums noirs, du Velvets, Swell Maps, Spiritualized et Cluster mais la vérité est qu'il est difficile de cerner les influences de cet album. C'est la maturité lyrique qui est la vraie réussite de ce disque. Les mots peuvent être lus comme une expérience découpée de William Burroughs sur ce que c'est que de vivre en ces temps dystopiques.
Les années passées aux côtés de Sufjan Stevens, The National et My Brightest Diamond ont fait de Marla Hansen une collaboratrice respectée. Son nouvel album Dust est une lune de miel lointaine : le temps consacré à l'enregistrement et à la tournée du monde avec d'autres avant de s'installer à Berlin pour se concentrer sur son propre suivi, un bijou aux multiples facettes qui porte les lignes de ses longs voyages comme une médaille durement gagnée. La combustion lente de la création de Dust se fait sentir pendant la lecture de l'album. Les morceaux ont du poids et de la sagesse comme des chansons folkloriques, mais ils brillent également avec la confiance et l'excitation d'un artiste avec de nouvelles couleurs dans sa palette. L'influence de la nouvelle ville natale de Hansen est partout dans ce disque - les contributions de la pionnière du synthé berlinoise Barbara Morgenstern, ou d'Andi Haberl (The Notwist) se cache sous chaque piste, et ne font que magnifier cet album.
Les années passées aux côtés de Sufjan Stevens, The National et My Brightest Diamond ont fait de Marla Hansen une collaboratrice respectée. Son nouvel album Dust est une lune de miel lointaine : le temps consacré à l'enregistrement et à la tournée du monde avec d'autres avant de s'installer à Berlin pour se concentrer sur son propre suivi, un bijou aux multiples facettes qui porte les lignes de ses longs voyages comme une médaille durement gagnée. La combustion lente de la création de Dust se fait sentir pendant la lecture de l'album. Les morceaux ont du poids et de la sagesse comme des chansons folkloriques, mais ils brillent également avec la confiance et l'excitation d'un artiste avec de nouvelles couleurs dans sa palette. L'influence de la nouvelle ville natale de Hansen est partout dans ce disque - les contributions de la pionnière du synthé berlinoise Barbara Morgenstern, ou d'Andi Haberl (The Notwist) se cache sous chaque piste, et ne font que magnifier cet album.
Au début de 1982, Trisomie 21 enregistre leur premier album rejoint par Jean Michel Matuszak (claviers) et Pascal Tison (basse). Peu de temps après, ils ont envoyé une démo et la maison de disques Stechak, basée à Amiens qui leur propoe un contrat. Le mini-album Le Repos des Enfants Heureux est sorti en janvier 1983. Il a été bien accueilli par le public et les médias, en particulier hors de France. Présentant à l'origine 5 compositions, nous avons ajouté 4 démos inédites sur vinyle. Toutes les compositions, les paroles et la musique ont été créées collectivement à partir d'expériences partagées au fil de voyages, de littérature et de cinéma. Toutes les chansons ont été remasterisées pour vinyle par George Horn aux studios Fantasy à Berkeley. Le disque est logé dans une réplique de la jaquette originale comportant un collage en noir et blanc de Nadia Zibirskaïa et chaque copie comprend une carte postale avec des paroles et des notes.
à moins que vous n'ayez vécu dans une grotte ces derniers mois, XXXTENTACION est un artiste qu'on ne présente plus. Tragiquement assassiné en juin 2018 il a marqué la scène hip-hop internationale par sa démarche à la fois rebelle et avant-gardiste. Ses albums marquent encore les esprits et SKINS aura été son dernier opus enregistré juste avant sa mort. L'album qui a reçu le soutien des plus grands noms du rap US, de Kendrick Lamar à Kanye West (en featuring sur le morceau One Minute), se présente sous la forme de dix pistes avec des chansons qui plongent dans les profondeurs de l'esprit complexe de XXXTENTACION. Dont en tête le single BAD! qui a engrangé plus de 52 millions de streams en moins d'une semaine et un merchandising qui s'est écoulé en quelques minutes. Disponible uniquement en digital, il est évident que la fanbase de XXXTENTACION est prête pour la sortie inédite des formats physiques de SKINS. Digisleeve 3 volets avec livret 12 pages. Vinyle marbré bleu et noir. Inclus insert et carte de téléchargement.
Drama était le duo canadien composé d'Eric Simpson (chant, basse, guitare) et de Don Stagg (claviers). Formés à Mississauga, en Ontario, en 1978, ils avaient déjà joué ensemble dans les groupes de rock progressif Majik et VIIth Temple. Presque tous les samedis, Eric et Don enregistraient une chanson sur un magnétophone TEAC 4 pistes après quelques prises avec très peu de doublage. Les deux ont été influencés par ce qui se passait à la radio pendant les sessions d'enregistrement. Tout le monde à ce moment-là était dans un groupe de rock ou de pop, mais Drama faisait de la musique électronique. Les deux musiciens ont sorti leur premier album Loneliness sur Psycho Records en 1979. Dark Entries réédite pour la première fois cet album de minimal-wave désenchanté aux accents prog 70's voire folk-esque, issus de l'héritage du duo. Un mélange pas commun qui donne à cet album un caractère hors du temps, quasi OVNI.
Nouvel album de la reine deep soul, R&B, Northern.. qu'est GEMMA AND THE TRAVELLERS. Il y a dans Gemma & the Travellers l'esprit de la Motown et Stax, le son brut et groove des débuts du label. A l'évidence, Gemma c'est aussi une voix, puissante et limpide qui semble sortir tout droit de la cave en terre battue de Detroit. Le duo anglais écrit et compose tous les chansons qui repose sur la basse, batterie, sax et guitare. Sur scène, le groupe est une vrai machine a groover, avec de nombreuses tournées en Europe, ils sont tous au service de Gemma dont la voix est à la fois belle et sans équivalent Ce songrwiritng unique apporte un twist unique, et s'éloigne d'un simple pastiche de cette scène depuis toujours idéalisé. Inspirés par Dusty Spingfields, Etta James ou encore Aretha Franklin, sa voix est comme toutes ces chanteuses, incomparable. Soutenu aussi bien en Angleterre par la BBC qu'en France par FIP, ils ont ouvert pour Lee Fields & The Expressions sur leur précédente tournée.
Ouverture du prochain album d'Aufgang «Istiklaliya», le titre «Kyrie» sonne comme un appel à la révolte. Explosif, ce morceau illustre la singulière énergie du trio. Côté remixes, STIMMING, figure de proue du label hambourgeois Diynamic, revisite « Kyrie » avec brio. De subtiles sonorités enrobent une rythmique élégante, travaillée, permettant à votre pied droit d'accompagner les kicks de l'allemand. Le second remix par NETIK, dj le plus titré de France, casse la baraque et élargit le spectre du label InFiné via un dubstep incisif et enragé. L'américain SLEEPER WORK calme ensuite la fougue du maxi sur une atmosphère tout aussi ambigüe qu'idyllique. Une belle fusion entre rythme martial et mélodie romantique. TORB, déjà remarqué sur Cassius Records, appuie son interprétation tel un prisonnier en cavale, à la recherche de repères et sensations perdues pour compléter un EP sans compromis. Aufgang sait être militant sans paroles.
Mister Modo et Ugly Mac Beer, ont été découverts par le public mainstream en 2009 grâce à leur morceau enivrant Not Afraid, voici leur second album MODONUT 2. En contrôle, les deux beatmakers, les diggers compulsifs et les vrais architectes musicaux nous apportent ce deuxième opus, toujours aussi cinématographique. Offrant une palette de sons toujours plus large, cet enregistrement nous emmène du Brésil au coeur de Paris en un saut. Ils mettent à profit leur savoir-faire et leurs mélodies avec des morceaux personnalisés pour leurs invités prestigieux. Jessica Fitoussi, vraie diva contemporaine et la chanteuse danoise Astrid Engberg. Du côté du rap, les productions et les MCs rappellent le meilleur du hip hop des années 90 avec Psycho Les des légendaires Beatnuts, Craig G, F. Stokes et Mike Ladd. Plus qu'une révélation, Modonut 2 est le couronnement de deux des producteurs les plus talentueux de leur génération. Une vingtaine de pistes réputées d'une précision musicale et d'un groove incomparable.
L'album de 2017 Sammlung, compilé par Stefan Schneider, a présenté pour la première fois une sélection jusque-là peu connue de la musique électronique de Dusseldorf des années 1980 à un public stupéfait. Un autre exemple remarquable de la sortie de la bande souterraine de Dusseldorf, le Singende Draehte des années 1986, initialement diffusé dans une édition minuscule parmi les aficionados, est enfin disponible en réédition CD et vinyle. DBB était le nom du projet d'avant-pop de Stefan Schneider qui, parallèlement à ses études de photographie à la Kunstakademie de Dusseldorf, avait commencé ses explorations musicales au début des années 1980, ce qui l'a également conduit à cofonder les groupes Kreidler (1994) et To Rococo Rot (1995). Singende Draehte présente certains de ses premiers travaux dans le domaine. Le caractère quelque peu sommaire et abstrait de ces 14 titres, Draehte (fils) rappelle un peu l'esthétique d'étiquettes contemporaines comme Les Disques du Crépuscule ou le début de 4AD. Pourtant, ils semblent étonnamment modernes, même 30 ans après leur première sortie.
L'album de 2017 Sammlung, compilé par Stefan Schneider, a présenté pour la première fois une sélection jusque-là peu connue de la musique électronique de Dusseldorf des années 1980 à un public stupéfait. Un autre exemple remarquable de la sortie de la bande souterraine de Dusseldorf, le Singende Draehte des années 1986, initialement diffusé dans une édition minuscule parmi les aficionados, est enfin disponible en réédition CD et vinyle. DBB était le nom du projet d'avant-pop de Stefan Schneider qui, parallèlement à ses études de photographie à la Kunstakademie de Dusseldorf, avait commencé ses explorations musicales au début des années 1980, ce qui l'a également conduit à cofonder les groupes Kreidler (1994) et To Rococo Rot (1995). Singende Draehte présente certains de ses premiers travaux dans le domaine. Le caractère quelque peu sommaire et abstrait de ces 14 titres, Draehte (fils) rappelle un peu l'esthétique d'étiquettes contemporaines comme Les Disques du Crépuscule ou le début de 4AD. Pourtant, ils semblent étonnamment modernes, même 30 ans après leur première sortie.
Veiki de Stefan Goldmann est une incursion audacieuse sur un nouveau terrain rythmique. Si les sons de Veiki semblent fermement ancrés dans la techno contemporaine, son pouls n'est basé ni sur la tradition des rythmes 4x4, ni sur le continuum du breakbeat. Les compteurs utilisés ici sont nettement asymétriques - c'est-à-dire qu'ils sont plutôt impairs. Avec des motifs de 7, 9 ou 11, ils offrent la possibilité de déplacer le centre de gravité pour un tarif rythmique standard. Ainsi, cela peut représenter l'un des rares efforts systématiques visant à déplacer la techno sur une base rythmique alternative : le Real Beat Beat. Les compteurs asymétriques / irréguliers font partie de la musique ancienne de la Méditerranée orientale et de l'Europe du Sud-Est. Les motifs employés ici sont également présents dans la musique traditionnelle bulgare avec laquelle Stefan Goldmann a grandi. Ne citant aucun autre aspect et n'utilisant pas d'échantillons ethniques, ces pistes permettent de résoudre le problème de la manière de transformer les outils et les traits de la musique électronique de pointe en traditions alternatives, ou inversement.
Le guitariste et producteur londonien Leo Abrahams et le maître musicien de NYC (et patron des disques de figureight) Shahzad Ismaily s'unissent pour une imagination unique de la guitare. OEuvre de deux musiciens hautement qualifiés, cet album marque une collection de musique curieuse, mystérieuse et étrange, offrant une interprétation du jeu de guitare qui serpente et entre en collision avec des tournants inattendus. Il encourage - exige même - une expérience d'écoute profonde, chaque discordance équilibrée avec l'harmonie, chaque obscurité équilibrée avec la lumière; il est éloquent et subtil dans une égale mesure. Influencés par les itérations cellulaires méditatives et subtilement changeantes de Morton Feldman et l'austérité sonore du début de Roy Montgomery, ces pièces minimalistes et anti-virtuoses ne sont pas facilement catégorisées. Leo Abrahams est diplômé de la Royal Academy, il a collaboré avec Brian Eno, Imogen Heap, Jarvis Cocker, Jon Hopkins... Shahzad Ismaily est membre du groupe Ceramic Dog de Marc Ribot ainsi que Secret Chiefs 3 et Ex Eye (avec Colin Stetson et Greg Fox). Il a collaboré avec Lou Reed, Oren Ambarchi, Laurie Anderson...
Sony Music Turquie et Ladies on Records sortent la toute première compilation de chanteuse Turque. Une sélection fabuleuse qui se concentre sur les années 1974 à 1988. Cette compilation met principalement en valeur des artistes qui n'ont pas obtenus de réconnaissance hors de leur pays. Il aura fallu plusieurs mois d'écoute pour capturer la diversité de cette scène. Les titres proviennent principalement des labels Elenor, Türküola et Sah Plak. Des mélodies douces et des drames déchirants sont capturés dans des arrangements et compositions audacieuses avec des synthétiseurs excentriques, des orchestres à cordes arabesques envoûtants, des guitares funky wakawaka et des sections rythmiques narcotiques de darbukas et de batteries. Laissez-vous surprendre par une variété d'influences et de fusions - du classique Türk Sanat, du tango argentin, du flamenco espagnol, des orchestres classiques égyptiens, des chansons folkloriques traditionnelles au disco populaire, du psychédélisme jusqu'au Funk. Le CD contient un livret complet avec les paroles en Turque et en Anglais ainsi que les histoires de chacune des chanteuses. L'artwork respecte la tradition picturale Ottoman.
Le fantasque chanteur de feu Success, le fameux groupe d'électro rock Bretons qui a sillonné les festivals de la région pendant plusieurs années ! James Eleganz et Toby Dammit étaient faits pour se rencontrer. Le premier, fantasque chanteur de feu Success. Le second, percussionniste et arrangeur, proche collaborateur d'Iggy Pop et Nick Cave and the Bad Seeds. C'est au milieu du désert californien que la magie va opérer, plus précisément dans le mythique studio Rancho de la Luna. Les deux artistes vont y concevoir l'album The Only One, fruit de cette connexion artistique. Les pierres mouvantes de Joshua Tree et leurs vibrations chamaniques ont à coup sûr imprégné le son de cet album pas comme les autres qui finit par attirer une autre légende : Mike Watt, fondateur de Minutemen et bassiste des Stooges. On se retrouve là au paradis du rock 'n'roll ! The Only One est un album d'un romantisme noir, composé de dix chansons qui sont une variation autour du thème de l'amour maudit et autodestructeur. Ambitieuses, héritières des classiques du rock et de la folk, elles en ont la sauvagerie et l'efficacité mélodique. S'y affirme cependant le style très personnel de James Eleganz qui excelle à mettre en scène l'extravagance de son théâtre intérieur.
En provenance de Chicago, The Devonns est le dernier ajout de la famille Record Kicks, dont le premier album éponyme est un assortiment de influences nous ramenant à l'âge d'or de la soul. Avec des influences tels que The Dramatics, The Isley Brothers et Leroy Hutson, tout en apportant leur propre touche moderne unique, influencée par des artistes tels que Jamie Lidell et Raphael Saadiq; le chanteur Mat Ajjarapu explique comment, involontairement, le riche héritage de l'histoire de Chicago avec la musique soul l'a influencé. Le groupe a commencé en 2016 après que le multi-instrumentiste et auteur-compositeur Mathew Ajjarapu ait abandonné ses études de médecine et se soit retrouvé au chômage. à l'écoute constante de la musique à l'époque, il a trouvé l'inspiration pour monter un groupe et créer sa propre musique. Associé à certains des meilleurs musiciens que Chicago a à offrir, il fonde The Devonns. à l'origine, il voulait se concentrer sur le doo-wop de style années 50, semblable à The Flamingos; riche en réverbération et harmonies vocales, mais lors de la première pratique initiale, il était évident que le groupe avait cliqué sur leur amour de la musique soul des années 70.
En provenance de Chicago, The Devonns est le dernier ajout de la famille Record Kicks, dont le premier album éponyme est un assortiment de influences nous ramenant à l'âge d'or de la soul. Avec des influences tels que The Dramatics, The Isley Brothers et Leroy Hutson, tout en apportant leur propre touche moderne unique, influencée par des artistes tels que Jamie Lidell et Raphael Saadiq; le chanteur Mat Ajjarapu explique comment, involontairement, le riche héritage de l'histoire de Chicago avec la musique soul l'a influencé. Le groupe a commencé en 2016 après que le multi-instrumentiste et auteur-compositeur Mathew Ajjarapu ait abandonné ses études de médecine et se soit retrouvé au chômage. à l'écoute constante de la musique à l'époque, il a trouvé l'inspiration pour monter un groupe et créer sa propre musique. Associé à certains des meilleurs musiciens que Chicago a à offrir, il fonde The Devonns. à l'origine, il voulait se concentrer sur le doo-wop de style années 50, semblable à The Flamingos; riche en réverbération et harmonies vocales, mais lors de la première pratique initiale, il était évident que le groupe avait cliqué sur leur amour de la musique soul des années 70.
Après des débuts prometteurs aux temps de MySpace (deux remixes pour Kylie Minogue et Sally Shapiro et une tournée mondiale sans avoir sorti le moindre disque!!) les frères lyonnais de SPITZER ont sorti un premier maxi au printemps 2010 (Roller Coaster) puis un second (Sergen) cet été. Voici enfin leur premier album. Si The Call est bel et bien un album de musique électronique, sa forme décloisonnée musicalement et son processus narratif le rapproche de la scène rock-progressive des années 70. Des titres comme Sergen, Marsch ou The Call déploient une énergie à la fois angoissante et captivante. Les larsens électroniques viennent s'entrechoquer sur la mécanique cyclique et lourde des synthés et se contorsionnent tout au long périple sonore métallique et sombre qui tend vers l'infini. Le véritable « appel d'air » de l'album restera Too hard to Breathe en compagnie de KID A, déjà présent sur Roller Coaster. Et on notera également la percutante présence de Fab du groupe FRUSTRATION sur le titre Clunker. Il semble bien que la révolution Spitzer soit en marche et cet « appel » à la fois révolté et maîtrisé pourrait bien trouver une résonance universelle.
Une nouvelle et imposante compilation du label Brownswood éclaire le jazz underground indépendant de Melbourne, où une collection d'artistes très unie s'est inspirée de la soul, du jazz et de la culture de clubs pour créer un nouveau son melbournian . Composé de neuf groupes différents, dont beaucoup partagent des membres ou des studios, le disque retrace les contours musicaux de cette scène bouillonnante, battant le rythme, la samba, le p-funk et la soul. Enregistré pendant une semaine à The Grove, une fabuleuse maison-studio située dans la banlieue nord de Melbourne, à Coburg, qui abrite l'ingénieur Nick Herrera, et deux membres de Hiatus Kaiyote. Silentjay fut le directeur musical, multi-instrumentiste et producteur affilié à la section Rhythm (qui jouait avec Joey Bada$$ et Flying Lotus) réunissant les différents acteurs de l'album, dont beaucoup faisaient partie des influents collectifs 30/70 et Mandarin Dreams. Sunny Side Up est un portrait coloré du potentiel de la scène australienne, explorant l'histoire de cette période florissante et mettant en lumière certaines de ses figures les plus fascinantes. Trailer à visionner ici.
Le compositeur, dramaturge, artiste, Frieder Butzmann a commencé à explorer la musique expérimentale à la fin des années 1960. Pionnier de la musique industrielle allemande et membre du mouvement Geniale Dilettanten, Butzmann a collaboré avec des artistes tels que Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld et Santrra Oxyd, et a publié de nombreuses oeuvres solo. Frieder Butzmann s'est associé à l'auteur et artiste Thomas Kapielski au début des années 1980. La plupart de leurs compositions sont des morceaux minimalistes entrecoupés de bruits quotidiens et de fragments de discours, comme on peut l'entendre sur leur album WAR PUR WAR, sorti pour la première fois sur Zensor en 1987. Cette oeuvre tout à fait unique est un mélange idiosyncrasique d'électro-pop excentrique et de sons étranges collages et est devenu un objet recherché. Maintenant remasterisé avec des illustrations rafraîchies et deux titres bonus, WAR PUR WAR est réédité avec des photos, des notes inédites de Frieder Butzmann. WAR PUR WAR a été créé dans mon petit studio au 11-13 Erkelenzdamm, au même étage que l'Institut Unzeit, où était également basé le Freunde Guter Musik. Le disque rassemble un assortiment incroyablement diversifié de courtes pièces avec différentes histoires.
Le compositeur, dramaturge, artiste, Frieder Butzmann a commencé à explorer la musique expérimentale à la fin des années 1960. Pionnier de la musique industrielle allemande et membre du mouvement Geniale Dilettanten, Butzmann a collaboré avec des artistes tels que Genesis P-Orridge, Blixa Bargeld et Santrra Oxyd, et a publié de nombreuses oeuvres solo. Frieder Butzmann s'est associé à l'auteur et artiste Thomas Kapielski au début des années 1980. La plupart de leurs compositions sont des morceaux minimalistes entrecoupés de bruits quotidiens et de fragments de discours, comme on peut l'entendre sur leur album WAR PUR WAR, sorti pour la première fois sur Zensor en 1987. Cette oeuvre tout à fait unique est un mélange idiosyncrasique d'électro-pop excentrique et de sons étranges collages et est devenu un objet recherché. Maintenant remasterisé avec des illustrations rafraîchies et deux titres bonus, WAR PUR WAR est réédité avec des photos, des notes inédites de Frieder Butzmann. WAR PUR WAR a été créé dans mon petit studio au 11-13 Erkelenzdamm, au même étage que l'Institut Unzeit, où était également basé le Freunde Guter Musik. Le disque rassemble un assortiment incroyablement diversifié de courtes pièces avec différentes histoires.
COMPOSER, c´est le nom d´un curieux duo, qui positionne ses mélodies en contrepoint des clichés du cool, et place le travail d'écriture, parfois spontané, souvent laborieux mais toujours exigeant comme fondement sémantique de leur union. C´est aussi une drôle de rencontre, le fruit d´une semaine de dépassement de soi pour produire un concert unique, alors que les deux protagonistes se connaissent à peine. C´est enfin deux personnalités, deux papas, la trentaine bien passée, qui ne rêvent plus de tournée mondiale, de plateaux télés et de groupies sexies mais juste de sortir de bons disques. Eric Raynaud, est un habitué de la maison InFiné, avec qui il officie sous le nom de Fraction, tendance musique expérimentale et électronique avec à son actif, un premier maxi Superposition sorti en mai 2008. Guillaume Eluerd, quant à lui, a déjà signé deux albums, de folk avec The Year of the Dog sous son propre nom et de bricolages électroniques sous le pseudo de Nimp. Les neuf titres reflètent donc cette étrange complicité, fruits d'une exploration sonore électronique en territoire pop, qui laisse la part-belle aux individualités, et concourt à une même vision décalée et jubilatoire des conventions. Et si le duo finissait par y prendre goût!
Ils disent : Thèmes accessoires pour une utilisation dramatique. Nous disons : c'est vraiment dramatique. Pas étonnant que ce disque ait été exploité par une multitude de séries policières des années 70 et 80. Tout comme Beat Incidental, ce véritable joyau comprend une série de repères de moins de dix secondes, ainsi que des crécelles funéraires étirées de manière satisfaisante.'' The Hunter (Drama Suite) / Adventure Story est un véritable album de library music. Unes des meilleures oeuvres avec cinq poids lourds du genre : le batteur Brian Bennett, le guitariste Clive Hicks (de The Gentle Rain), le saxophoniste Duncan Lamont, le bassiste rock Dave Richmond et le géant du clavier, Steve Gary! Quelque chose qui fait rêver, ils ont tous contribué à créer l'un des albums les plus prisés des légendaires albums de KPM. Les deux côtés de cet album regorgent de grooves insidieux et de thèmes dramatiques d'espionnage, regorgeant de guitares lourdes, de flûtes tourbillonnantes, de pianos funk et de percussions à gogo. Sorti à l'origine en 1975, il est clair que cet album de library a été fortement influencé par les sons funk et street soul émergeant des bandes sonores de la Blaxploitation.
Le duo afro-futuriste Onipa sort son premier album, alliant afro grooves, sonorités électroniques et énergie débordante pour une vibrante célébration de rencontres culturelles et musicales. ONIPA signifie humain en Akan, l'ancienne langue du peuple Ashanti du Ghana. C'est un message qui prône la connexion par la collaboration : du Ghana à Londres, Onipa apporte l'énergie, le groove, les beats électroniques, l'afro futurisme, la danse et le feu! Né d'une solide collaboration entre les amis de longue date KOG (Kweku du Ghana et de la Zongo Brigade) et Tom Excell (leader, guitariste et auteur de l'excitant collectif Nubiyan Twist, les pionniers de l'afro-jazz et de la soul afrobeat), ce groupe de quatre musiciens sur scène présente KOG au chant, au balafon et aux percussions, et Tom Excell à la guitare, aux percussions et aux machines, Dwayne Kilvington (Wonky Logic) aux synthés et Finn Booth (Nubiyan Twist) à la batterie. L'album présente également des collaborations avec le rappeur sud-africain Spoek Mathambo, la star du Lesotho Morena Leraba, le maître des percussions ghanéen Afla Sackey, le rappeur britannique Syntax et les soeurs tanzaniennes Pendo & Leah Zawose, chacun ajoutant sa propre saveur au projet.
Fondé en 1972, SteepleChase Records est l'une des maisons de disques de jazz européennes les plus importantes et les plus prolifiques. Avec un catalogue de plus de 200 titres, l'empreinte basée à Copenhague a enregistré et publié de la musique de certains des plus grands noms du jazz, dont Dexter Gordon, Andrew Hill, Jackie McLean, Horace Parlan, Chet Baker et Stan Getz. Commençant par enregistrer des Américains en visite lorsqu'ils se sont produits au légendaire Café Montmartre, le fondateur Nils Winther a été encouragé à créer le label par nul autre que le grand Jackie McLean, qui a été le premier artiste à sortir un disque sur la nouvelle empreinte. à partir de là, Steeplechase est rapidement devenu l'un des principaux labels pour documenter le jazz européen avec toute son originalité et son style distinctifs. Avec un accent particulier sur l'enregistrement des artistes américains de premier plan qui avaient choisi la vie d'expatrié en Europe, Steeplechase était le premier à documenter les sons des grands lors de leur développement en exil. Avec des morceaux demandés de Billy Gault, Johnny Dyani et Khan Jamal, et des découvertes de grands noms comme Jackie McLean et Mary Lou Williams, notre Spiritual Jazz 11 : Steeplechase rend hommage à l'un des plus grands labels de jazz européens
Room With A View signe le retour de Rone à ses racines musicales, ainsi qu'au set-up minimaliste de ses premiers albums : électro épurée et conception en solo, sans collaborateur. L'album a été conçu en parallèle d'une carte blanche que lui a proposée le Théâtre du Châtelet, un spectacle mis en scène et chorégraphié par le Collectif (LA) HORDE, accompagné de 20 danseurs du Ballet National de Marseille. Cette nouvelle forme de collaboration lui a permis d'explorer ce qu'il y avait de plus sincère et de plus profond dans sa musique. Musicalement, Rone éclaire ce qui fait sa signature d'une nouvelle lumière, d'un nouveau jour, contentant aussi bien ses fans de la première heure que les amateurs d'electronica. Les beats mélodiques de Ginkgo Biloba cohabitent avec des tracks aux influences ouvertement plus classiques, comme Boards of Canada (La Marbrerie) ou Aphex Twin époque SAW-era (Raverie), de même que des rythmes estampillés dancefloor euphorique' nichent à côté de synthés résolument contemplatifs. A ce titre, Sophora Japonica démontre le talent hors-pair de Rone pour créer des atmosphères, quitte à se passer totalement de drums. Ailleurs encore, Rone renoue avec l'énergie club de son album Tohu Bohu et intègre des éléments de dub. Tout va dans le sens d'une écoute aventureuse et stimulante.
Fondé en 1972, SteepleChase Records est l'une des maisons de disques de jazz européennes les plus importantes et les plus prolifiques. Avec un catalogue de plus de 200 titres, l'empreinte basée à Copenhague a enregistré et publié de la musique de certains des plus grands noms du jazz, dont Dexter Gordon, Andrew Hill, Jackie McLean, Horace Parlan, Chet Baker et Stan Getz. Commençant par enregistrer des Américains en visite lorsqu'ils se sont produits au légendaire Café Montmartre, le fondateur Nils Winther a été encouragé à créer le label par nul autre que le grand Jackie McLean, qui a été le premier artiste à sortir un disque sur la nouvelle empreinte. à partir de là, Steeplechase est rapidement devenu l'un des principaux labels pour documenter le jazz européen avec toute son originalité et son style distinctifs. Avec un accent particulier sur l'enregistrement des artistes américains de premier plan qui avaient choisi la vie d'expatrié en Europe, Steeplechase était le premier à documenter les sons des grands lors de leur développement en exil. Avec des morceaux demandés de Billy Gault, Johnny Dyani et Khan Jamal, et des découvertes de grands noms comme Jackie McLean et Mary Lou Williams, notre Spiritual Jazz 11 : Steeplechase rend hommage à l'un des plus grands labels de jazz européens
Premier album des Australiens de U-Bahn avec un collage de glam-pop et de new wave. Décrivant leur musique comme une nostalgie d'avenir qui ne s'est jamais réalisée et l'ennui des banlieues et les dystopies sexuelles, le 5 membres de Melbourne raviront le public avec leur premier LP, fourmillant d'art punk futuriste. Issu des enregistrements de la chambre du chanteur Lachlan Kenny, une rencontre fortuite entre lui et Zoe Monk à propos de l'achat d'une boîte à rythmes vintage, puis du recrutement de Leland Buckle, Jordan Oakley et Mitch Campleman, le groupe a rapidement peaufiné ses productions. De leur concert fortement esthétisé aux hommages joyeux et troublants à Kubrick présents dans le clip de Beta Boyz - U-Bahn veut que vous sachiez : Nous prenons les choses très au sérieux, dans la musique et dans le monde entier. Cependant, nous ne voulons pas que le surréalisme, ou le marxisme, gêne l'expérience du public. Nous ne limiterons pas notre effusion créative en nous étiquetant comme autre chose que des mélomanes névrosés. Laissez le public tirer ses propres conclusions. Cette méthodologie, alliée à leur vif amour pour l'art, Devo et R. Stevie Moore, le mirage aristocratique de Brian Eno combiné à la robotique glacée de Kraftwerk, la course folle des genres et d'idées qui définissent le style de U-Bahn est ancrée dans un héritage de mavericks étranges et inoubliables de la musique.
La dixième édition de la série Spiritual Jazz se penche sur la musique que Prestige enregistrait au début des années 1960. C'est à cette époque que le son de jazz modal mis au point par Miles et Coltrane commençait à faire sa place dans l'underground du jazz. à son apogée, Prestige était le seul label de jazz à pouvoir offrir une bougie à Blue Note. Prestige a toujours été rapide pour enregistrer de nouveaux artistes et, dans les années qui ont suivi Kind of Blue, le label a rapidement publié certains des premiers explorateurs les plus novateurs du nouveau style. Fondé sous le nom de New Jazz en 1949 par Bob Weinstock, un fan de jazz et entrepreneur de 20 ans, Prestige était la seule autre empreinte, à part Blue Note, à capturer les sons emblématiques du jazz des années 1950 et, au même titre que son rival, elle est devenue une icône. Si Blue Note a documenté le son de hard bop dans sa forme la plus soignée et la mieux présentée, l'approche discrète en jam-session préférée par Weinstock signifiait que la musique capturée par Prestige avait une énergie dure, non filtrée, beaucoup plus proche de la facon dont il était joué, nuit après nuit, par les plus grands musiciens de jazz de New York. Avec des visions afro-orientales de Yusef Lateef et Ahmed Abdul-Malik, de profondes excursions modales de Mal Waldron et de Walt Dickerson et des rythmes de jazz spirituels essentiels de Gary Bartz et Idris Muhammed, Spiritual Jazz Volume 10 documente le son du jazz modal en plein vol et authentique des pionniers du genre!
La dixième édition de la série Spiritual Jazz se penche sur la musique que Prestige enregistrait au début des années 1960. C'est à cette époque que le son de jazz modal mis au point par Miles et Coltrane commençait à faire sa place dans l'underground du jazz. à son apogée, Prestige était le seul label de jazz à pouvoir offrir une bougie à Blue Note. Prestige a toujours été rapide pour enregistrer de nouveaux artistes et, dans les années qui ont suivi Kind of Blue, le label a rapidement publié certains des premiers explorateurs les plus novateurs du nouveau style. Fondé sous le nom de New Jazz en 1949 par Bob Weinstock, un fan de jazz et entrepreneur de 20 ans, Prestige était la seule autre empreinte, à part Blue Note, à capturer les sons emblématiques du jazz des années 1950 et, au même titre que son rival, elle est devenue une icône. Si Blue Note a documenté le son de hard bop dans sa forme la plus soignée et la mieux présentée, l'approche discrète en jam-session préférée par Weinstock signifiait que la musique capturée par Prestige avait une énergie dure, non filtrée, beaucoup plus proche de la facon dont il était joué, nuit après nuit, par les plus grands musiciens de jazz de New York. Avec des visions afro-orientales de Yusef Lateef et Ahmed Abdul-Malik, de profondes excursions modales de Mal Waldron et de Walt Dickerson et des rythmes de jazz spirituels essentiels de Gary Bartz et Idris Muhammed, Spiritual Jazz Volume 10 documente le son du jazz modal en plein vol et authentique des pionniers du genre!
Non content de définir le son de la techno dans les années 90, Robert Hood a récemment peaufiné sa propre interprétation gospel du genre. Il se présente sous son alias Floorplan, dont on dit que la genèse lui est venue lorsqu'il fut réveillé par une vision nocturne. Depuis 2016, il s'agit d'un duo collaboratif entre Hood et sa fille Lyric Hood. Avec des racines dans la scène techno de Detroit dans laquelle Hood a émergé pour la première fois, le son de Floorplan est orné d'émotions sincères et des passions débridées de la house music de Chicago. Cet album est lourd et analogique et plein de vigueur grâce au sens toujours croissant d'euphorie qui émane des synthés bien sculptés. En 2006, Lyric, la fille de Hood, a officiellement rejoint le projet. Depuis lors, ils ont amené Floorplan dans des clubs et festivals prestigieux, de New York à Ibiza, de Londres à Amsterdam. Une partie du succès de Floorplan réside dans la combinaison de l'excellence de la vieille école de Robert et de l'innovation de Lyric : leur musique, avec ses grands accords et des échantillons vocaux encore plus volumineux, pourrait avoir 30 ans ou être fraîchement créée. Il est rare de faire de la musique aussi dépouillée et riche en émotions comme Floorplan, mais cette paire le fait avec facilité et en se concentrant fermement sur des grooves durables. Fonctionnel mais plein de formes, tendu mais atmosphérique, en boucle mais en constante évolution, Floorplan transcende véritablement le spectre de la dance music.